水曜日、とにかく目のまえに４連休がぶらさがっているので、５時半にとっととぬける。
Thanksgivingの前日はみんな買い出しでわいわいごったがえして楽しいものだから、SOHOのDean&Delucaに行って、プールに飛びこむようにじゃぶん、となかに入ってみたのだが、思っていたほどじゃなかったかも。むかしは歳末の築地みたいにすごかった気がするのだが。
でもチーズ売り場でチーズを見ているうちにとつぜん錯乱 ー 頭が大ばくはつしてしまい、山ほど買いこんでしまった。 だって見たことないやつがいっぱいあるんだもの。
レコード屋とか本屋にいるみたいなかんじだった。（目をさませばか）
やっぱりさあ、デパ地下で売ってるのなんか、チーズじゃないよねえ。（チーズはチーズだあほ）
他にもRoll Mopsとか、つい（つい、ってなんだよばか）買ってしまい、放心状態でそのまま西に向かい、Film Forumで１本だけ見ました。
なんでかよくわからんが、Godardの79年作"Every Man For Himself" ( "Sauve qui peut (la vie)" - 邦題『勝手に逃げろ／人生』) が35mmニュープリントで、2週間だけ上映されている。
これは見ていない。日本初公開は95年だそうで、だとするとその頃は米国にいた。
とりあえず見るしかない。
すんごーくおもしろかった。いじょう。
自分を含めて80年代の子供達にとって、「はじめてのゴダール」は82年、シネ=ヴィヴァンでの『パッション』であった場合が多かったとおもうのだが、例えばこれが「はじめて」だったらどうだっただろうか。ずいぶんわかりやすく入っていけたのではないか。
いや、わかりやすいというのとは違うか、章立てにしたがって整理して考えやすい、というか。
職業、家族、権力、制度、都会と田舎、エロ、などなどの類型だの概念だのが、ストップ・モーション、スロー・モーション、ヴォイス・オーバー、サウンド・コラージュといった技法の多用によって、その淵とか枠とかを露にする。
以降、わけわかんないけど唐突にかっこよくて気持ちいい（そう、かっこいいのよ、音楽みたいに）、という80年代ゴダールの基本形式がぜんぶ用意されている。
そしてタイトル（特に英語の）"Every Man for Himself"は、はっきりと第二期のはじまりを宣言しているかのように、"MAN"は大文字の、きんたまのついた「男」であり、それは「フィルム」のことでもあり、ここで一応俳優が演じている「ゴダールさん」～"Himself" は後のいろんなフィルムで本人が出てきていろんなものをもぐら叩きしつつひっくり返してまわることになる。
あとさあ、なんで、なんでおかしいのかなあ、って。
男①がかかとで女①の乳をおしたら、女①がうめいてそれを合図に男②が女②のおしりをなめて、女②がうめいて、女②が男①に口紅をぬる、とか。
書いてしまうとどうってことないが、わらっちゃうの。
この映画が米国デビューとなったIsabelle Huppertさんはひたすらクールでかっこよい。Nathalie Bayeもみごと。 そして男だけが、（いつも通り）なんだかどうしようもないのだった。
Thanksgivingの朝は、いつものThanksgivingとおなじく、みごとにさむい。
Peter "Sleazy" Christopherson… RIP
TGが突然ツアーを止めてしまったのは、そういうことだったのか。
11.25.2010
[music] Joanna Newsom -Nov.23
火曜日の晩、Joanna NewsomのCarnegie Hall。 みごとにSold Outしました。
町の公民館（ライブハウス）とかで発表会（ライブ）やっていた彼女が、みんなで大切に見守ってきた彼女が、ついにカーネギーホールにまでいっちゃったよ。 こりゃ家族親戚一同で駆けつけるしかないよね（いそいそ）、というかんじの聴衆でびっちり埋まっていた。
SSW聴くひと、ロック聴くひと、ケルティック聴くひと、クラシック聴くひと、文芸系、老いも若いもいりまじり。全体の括りとしては、とりあえず文系、としかいいようがないかんじ。
前座の最初はバックでパーカッションを叩いているNeal Morganさん。 ひとり棒立ちでアカペラで朗々と歌って、太鼓をどこどこやりながら鼻歌みたいに歌って、そんなにうまいとおも思えないのだが、カーネギーのステージでひとりで歌うことに全然動じていない飄飄としたところがなんだかおかしい。
続いて、これもバックでギターとかバンジョーとかリコーダーとか、あと、新譜でも全体のアレンジをやっていて、今回のライブでも見事な新旧のライブ用アレンジを手掛けたRyan Francesconi さん。
歌なしのアコギインストのみ。 ギターなのにハープみたいな音で緻密な網をぬいぬい。すんごく気持ちいかったので、意識うしなった。
前座のあと、30分くらいながーい調律の時間がはいって、出てきたのは9:15くらい。
せっかくのカーネギーでドレスなのに、いつものように、笑って手をふりながら小走りで出てくる。そこだけみてると お笑いのライブみたいな。
でも、座ってハープを抱えて、歌いはじめると、空気がぞわぞわっと変わる。
この変わり具合もいつものことなのだが、場所が場所だけにより痛快なかんじはした。
バンドは前座の２名に加えて、トロンボーンとか口琴他の管楽器１、バイオリン２、の計５名が彼女の背後を円形に囲む。 あとはハープの後ろにピアノ。 今回はピアノも４曲くらいで弾いていました。
音数が増えた、ということよりも、アレンジがすばらしかったのだと思うが、とにかくハープの縦糸にこまこま丁寧に横糸を通し、ふんわりと空飛ぶ絨毯にしあげ、その絨毯に乗って彼女の声は自在に、ドーム状のてっぺんまで飛んでくる、そういう仕立てになっていた。
これまではどちらかというと1stの頃の室内楽寄りのトイ・ポップぽく捉えられがちだった彼女の音が、”Ys”以降で狙っていたと思われるスケールのでかい音像に、その野望と共にでっかく、でっかいままに再生される。
そしてなんといっても彼女の声。
時に高らかに突きぬけ、時に陰影自在にでっかい曲の光度と色彩をコントロールしていた。
要するに、これまでのキャンディのように甘くぬけるとこはそのままに、全体としてものすごく堂々とした歌い手のオーラがあった。
まだわかんないけど、このままいくと、Joni Mitchellくらいのとこまで到達してしまうのではないだろうか。
フォークでもジャズでもロックでもない、アメリカのシンガーソングライターのどまんなかに。
どの曲も終わるたびに大喝采でしたが、本編ラストの３曲がすさまじかったです。
"Good Intentions Paving Company"は、ピアノとトロンボーンの掛けあいがスリリングでかっこよく、
"Emily"は原曲のアンサンブルの異様さと複雑さが少しも損なわれることなく、しかし怒涛の勢いでねじりこんで突っ走り、"Peach, Plum, Pear "はヴォーカルの突出具合がとんでもなく、na-na-na-na- のところなんか天井を突き破るかとおもいましたよ。
席がてっぺんのバルコニーだったのでまちがいないが、いちばーん上のひとまでみーんなが文句なしのスタンディングオベーションをおくっていました。 彼女の技量に感嘆した、というのもあるが、まずは音楽として、あまりにすばらしかった、ということでないか。
そんなふうに、出てくる音楽はめまいがするような超絶クオリティだったのに、曲間のしゃべりときたら、ここってカーネギーなのよね、うきゃー、みたいなふつうの娘っこのノリになるのがおかしかった。
あと、やや時間のかかる弦の調律中は質問タイムになっていて、みんな好き勝手に聞きたいことをなげるのだが、ホールにわんわん響くもんだからほとんどわからず。
この晩のライブはカーネギー・ホールの伝説になるね。
ま、カーネギーの伝説いうたら、そりゃしぬほどいっぱいあるわけであるが。
アンコールの”Colleen”が終わったとこで丁度11時でした。
というわけで４連休になりました。
町の公民館（ライブハウス）とかで発表会（ライブ）やっていた彼女が、みんなで大切に見守ってきた彼女が、ついにカーネギーホールにまでいっちゃったよ。 こりゃ家族親戚一同で駆けつけるしかないよね（いそいそ）、というかんじの聴衆でびっちり埋まっていた。
SSW聴くひと、ロック聴くひと、ケルティック聴くひと、クラシック聴くひと、文芸系、老いも若いもいりまじり。全体の括りとしては、とりあえず文系、としかいいようがないかんじ。
前座の最初はバックでパーカッションを叩いているNeal Morganさん。 ひとり棒立ちでアカペラで朗々と歌って、太鼓をどこどこやりながら鼻歌みたいに歌って、そんなにうまいとおも思えないのだが、カーネギーのステージでひとりで歌うことに全然動じていない飄飄としたところがなんだかおかしい。
続いて、これもバックでギターとかバンジョーとかリコーダーとか、あと、新譜でも全体のアレンジをやっていて、今回のライブでも見事な新旧のライブ用アレンジを手掛けたRyan Francesconi さん。
歌なしのアコギインストのみ。 ギターなのにハープみたいな音で緻密な網をぬいぬい。すんごく気持ちいかったので、意識うしなった。
前座のあと、30分くらいながーい調律の時間がはいって、出てきたのは9:15くらい。
せっかくのカーネギーでドレスなのに、いつものように、笑って手をふりながら小走りで出てくる。そこだけみてると お笑いのライブみたいな。
でも、座ってハープを抱えて、歌いはじめると、空気がぞわぞわっと変わる。
この変わり具合もいつものことなのだが、場所が場所だけにより痛快なかんじはした。
バンドは前座の２名に加えて、トロンボーンとか口琴他の管楽器１、バイオリン２、の計５名が彼女の背後を円形に囲む。 あとはハープの後ろにピアノ。 今回はピアノも４曲くらいで弾いていました。
音数が増えた、ということよりも、アレンジがすばらしかったのだと思うが、とにかくハープの縦糸にこまこま丁寧に横糸を通し、ふんわりと空飛ぶ絨毯にしあげ、その絨毯に乗って彼女の声は自在に、ドーム状のてっぺんまで飛んでくる、そういう仕立てになっていた。
これまではどちらかというと1stの頃の室内楽寄りのトイ・ポップぽく捉えられがちだった彼女の音が、”Ys”以降で狙っていたと思われるスケールのでかい音像に、その野望と共にでっかく、でっかいままに再生される。
そしてなんといっても彼女の声。
時に高らかに突きぬけ、時に陰影自在にでっかい曲の光度と色彩をコントロールしていた。
要するに、これまでのキャンディのように甘くぬけるとこはそのままに、全体としてものすごく堂々とした歌い手のオーラがあった。
まだわかんないけど、このままいくと、Joni Mitchellくらいのとこまで到達してしまうのではないだろうか。
フォークでもジャズでもロックでもない、アメリカのシンガーソングライターのどまんなかに。
どの曲も終わるたびに大喝采でしたが、本編ラストの３曲がすさまじかったです。
"Good Intentions Paving Company"は、ピアノとトロンボーンの掛けあいがスリリングでかっこよく、
"Emily"は原曲のアンサンブルの異様さと複雑さが少しも損なわれることなく、しかし怒涛の勢いでねじりこんで突っ走り、"Peach, Plum, Pear "はヴォーカルの突出具合がとんでもなく、na-na-na-na- のところなんか天井を突き破るかとおもいましたよ。
席がてっぺんのバルコニーだったのでまちがいないが、いちばーん上のひとまでみーんなが文句なしのスタンディングオベーションをおくっていました。 彼女の技量に感嘆した、というのもあるが、まずは音楽として、あまりにすばらしかった、ということでないか。
そんなふうに、出てくる音楽はめまいがするような超絶クオリティだったのに、曲間のしゃべりときたら、ここってカーネギーなのよね、うきゃー、みたいなふつうの娘っこのノリになるのがおかしかった。
あと、やや時間のかかる弦の調律中は質問タイムになっていて、みんな好き勝手に聞きたいことをなげるのだが、ホールにわんわん響くもんだからほとんどわからず。
この晩のライブはカーネギー・ホールの伝説になるね。
ま、カーネギーの伝説いうたら、そりゃしぬほどいっぱいあるわけであるが。
アンコールの”Colleen”が終わったとこで丁度11時でした。
というわけで４連休になりました。
[log] pictures - Nov.23
なんとなく地味なかんじがしてきたのでiPhone写真をのっけてみる。
pre-クリスマスの観光写真ふう。 はじめて撮ってみた。
左から、建立中のロックフェラーのツリー、まんなかがSAKSの壁面照明（ぐるぐる）、右がRadio City Music Hall。
pre-クリスマスの観光写真ふう。 はじめて撮ってみた。
左から、建立中のロックフェラーのツリー、まんなかがSAKSの壁面照明（ぐるぐる）、右がRadio City Music Hall。
それから、ロックフェラーのAnthropologieのウィンドウディスプレイ。
なんだかたまらなくてつい。（いくつだおまえ）
なんとなくふつうのブログっぽくみえる（気がする）のでうれしい。
11.24.2010
[film] From Morn to Midnight (1921)
今週はThanksGivingの週で、どこでもそうだとおもうがオフィスは開店休業状態になって、誰も働きたがらなくて、とっても静かで、自分も働きたくなくて、だから映画でも見てかえる。
MOMAで"Weimar Cinema, 1919-1933: Daydreams and Nightmares"という特集上映が始まっていて、3月まで続く。
ムルナウ・ファウンデーションとドイツ・シネマテークの全面協力による、ワイマール期のドイツ映画の総ざらい。
なにを見てもとりあえずおもしろくて、ぞっとするほど美しく、かっこよくて、お勉強になるはず。
変態とか狂人とか病人とか犯罪者とか妖怪とか、そんなのばっかりが派手にうようよ大騒ぎする。
なにしろ、"Daydreams and Nightmares"だしね。
シアターのある地下のフロアもこの関連の展示になってて、大判のポスターがえらくかっこよい。
まずは、1921年の"From Morn to Midnight"（"Von Morgens bis Mitternachts", 邦題：『朝から夜中まで』）。
『カリガリ博士』と並ぶ表現主義映画の古典、と言われていて、製作時には本国で公開されず、60年代に何故か日本で発見されてリストアされた。 こないだの夏、京橋のNFCの40周年特集上映でも上映されている。
銀行の出納係がお金に目がくらんで、大金を着服して遊びまくって、死神に抱きしめられて、はいさようなら。
サイレントなので、いちおう間あいだにドイツ語字幕が入って状況を説明してくれる。
MOMAの案内には翻訳不要、とあったのに、どっかから文句がでたのか、英語のボイスオーバーが同時通訳のように入っていた。
撮影（by カール・ホフマン）はすべてセット内で、建物はぺらぺらでぐんにゃり歪んでて、どんよりと暗くて、人々はみんなメイクしてて、動きは大仰か緩慢かのどっちかで、要はすべてのヴィジュアルは登場人物の主観とか心理状態とか、その深みとかを反映したかたちで装飾され、誇張され、戯画化されている。
表現主義とはもともとそういうものなので、これについてどうこう言うつもりはないのだが、実写の映画でこれをやるのはきつかったかも。 形式としてふさわしいのはやはりアニメーション（→ティム・バートン！）とかなのかも。
これで終わりかと思ったらもう一本追加上映があった。 上のが約60分と短かったからか。
おなじく1921年の"Backstairs" ("Hintertreppe")
表現主義映画とはあんま関係なくて、あとで調べたらMOMAの所蔵作品だった。
でもこれはなかなかいかった。
お金持ちのおうちでお手伝いさんとして働く女の子を身障者の郵便配達夫が片思いして、でも彼女にはハンサムな彼がいて、彼女はずうっと彼からの手紙を待ってじりじりしてて、郵便配達夫はそんな彼女がかわいそうになって手紙を自分が書いたのにすりかえたりしてて、そんなことやっちゃったもんだから大悲劇が。
働き者のお手伝いさんの女の子が、がっしりと頼もしくて、フェルメールの「牛乳」のおねえさんみたいで殆ど同じような構図のショットがいっぱい出てくるものだから、なんとなくうっとりしてた。
あと、頭に焼きついて離れなくなる暗い目をした郵便配達夫を演じているのが、William Dieterle (as Wilhelm Dieterle) 。 後に"The Last Flight"(1931)とか、『ジェニイの肖像』 (1948)とか、すんばらしい映画を沢山撮ることになるこのひとが、キャリアの最初期にこんなことをやっていたとは。
この特集、できる限り通いたいのだが、むずかしいかなあ。
MOMAで"Weimar Cinema, 1919-1933: Daydreams and Nightmares"という特集上映が始まっていて、3月まで続く。
ムルナウ・ファウンデーションとドイツ・シネマテークの全面協力による、ワイマール期のドイツ映画の総ざらい。
なにを見てもとりあえずおもしろくて、ぞっとするほど美しく、かっこよくて、お勉強になるはず。
変態とか狂人とか病人とか犯罪者とか妖怪とか、そんなのばっかりが派手にうようよ大騒ぎする。
なにしろ、"Daydreams and Nightmares"だしね。
シアターのある地下のフロアもこの関連の展示になってて、大判のポスターがえらくかっこよい。
まずは、1921年の"From Morn to Midnight"（"Von Morgens bis Mitternachts", 邦題：『朝から夜中まで』）。
『カリガリ博士』と並ぶ表現主義映画の古典、と言われていて、製作時には本国で公開されず、60年代に何故か日本で発見されてリストアされた。 こないだの夏、京橋のNFCの40周年特集上映でも上映されている。
銀行の出納係がお金に目がくらんで、大金を着服して遊びまくって、死神に抱きしめられて、はいさようなら。
サイレントなので、いちおう間あいだにドイツ語字幕が入って状況を説明してくれる。
MOMAの案内には翻訳不要、とあったのに、どっかから文句がでたのか、英語のボイスオーバーが同時通訳のように入っていた。
撮影（by カール・ホフマン）はすべてセット内で、建物はぺらぺらでぐんにゃり歪んでて、どんよりと暗くて、人々はみんなメイクしてて、動きは大仰か緩慢かのどっちかで、要はすべてのヴィジュアルは登場人物の主観とか心理状態とか、その深みとかを反映したかたちで装飾され、誇張され、戯画化されている。
表現主義とはもともとそういうものなので、これについてどうこう言うつもりはないのだが、実写の映画でこれをやるのはきつかったかも。 形式としてふさわしいのはやはりアニメーション（→ティム・バートン！）とかなのかも。
これで終わりかと思ったらもう一本追加上映があった。 上のが約60分と短かったからか。
おなじく1921年の"Backstairs" ("Hintertreppe")
表現主義映画とはあんま関係なくて、あとで調べたらMOMAの所蔵作品だった。
でもこれはなかなかいかった。
お金持ちのおうちでお手伝いさんとして働く女の子を身障者の郵便配達夫が片思いして、でも彼女にはハンサムな彼がいて、彼女はずうっと彼からの手紙を待ってじりじりしてて、郵便配達夫はそんな彼女がかわいそうになって手紙を自分が書いたのにすりかえたりしてて、そんなことやっちゃったもんだから大悲劇が。
働き者のお手伝いさんの女の子が、がっしりと頼もしくて、フェルメールの「牛乳」のおねえさんみたいで殆ど同じような構図のショットがいっぱい出てくるものだから、なんとなくうっとりしてた。
あと、頭に焼きついて離れなくなる暗い目をした郵便配達夫を演じているのが、William Dieterle (as Wilhelm Dieterle) 。 後に"The Last Flight"(1931)とか、『ジェニイの肖像』 (1948)とか、すんばらしい映画を沢山撮ることになるこのひとが、キャリアの最初期にこんなことをやっていたとは。
この特集、できる限り通いたいのだが、むずかしいかなあ。
11.23.2010
[film] The Cry of Jazz + Pull My Daisy (1959)
日曜日、BAMの劇場を出たらもう暗くて、どうしようかなあ、だったのだが、Anthology Film Archivesでもうひとつだけ見て帰ることにした。
その前にOther Musicに寄って、7inchいちまいだけ買った。
Sharon Van Ettenの新しいの。
”The Cry of Jazz” (1959)は、Anthology Film Archivesがリストアして、3日間だけ上映してて、この日曜が最終日。
34分と短いフィルムなので、間に監督とのQ&Aと、併映でもういっぽん。
パーティの場で、白人と黒人が議論してて、ぼんくらぽい白人のおんなのこの「Jazzってロックンロールのことでしょ？」とかいう発言をきっかけに、いやいやそうじゃないんだよ、Jazzっていうのはね、と始まる議論。
Jazzはどこからきて、どこに行くのか、JazzはなんでAfrican-Americanのものといえるのか、などなどを語り、だって白人だってJazzをプレイするじゃん、逆差別じゃん、とかいうつっこみを潰しながら、Jazz原理主義、みたいなマニフェストにまで行ってしまう。
実際のシカゴのAfrican-Americanの生活のドキュメンタリーを絡めつつ、この音楽とその形式が、如何に彼らの自由と抑圧を巡る歴史（奴隷として連れてこられたあたりからの）と密に結びついているのか、きたのかを明確に語ろうとする。
はっきりと語りたいことがあるが故にこの映像を作りました、という態度は明白で、短い時間でそれは簡潔に纏められていると思った。 それが59年という時点で、African-Americanの当事者の発言として出てきたところはすごいし、この監督はそれ以降映画を一本も撮っていないところも潔いし。
でも難しいよねえ、と上映後の監督（Edward Blandさん）とのQ&Aを聞いてておもった。
それは音楽と社会との関係を語ることの難しさであり、更には音楽を言葉で語ることの限界にまで行ってしまうような気がした。 作者の依っているところの前提（1959 or ?）と我々が依っているところのそれ、の差異もはっきりとでる。
例えば、黒人の大統領が登場した今、この映画で語られているようなメッセージはいまだに有効なのでしょうか？ というような質問に対して、監督は「そんなのしらない」という。
監督がこの映画で描いたのはJazzという音楽のことであり、質問者が訊いたのは社会のことだから。
そんなような両者の（思い）違いがえんえんとつづくQ&A。
音楽を作る側、受け入れる側、プロデューサー、それをプロモートして売る側、「作者」とは誰か、楽器の編成、アレンジ、サンプリング、Funkやヒップホップ、歌詞、地域やコミュニティのちがい、時代とか時間軸、アーティスト個人、マーケティング、コマーシャリズム、これら膨大な量の可変値から、ラジオをチューニングしていくみたいにひとつのクリアな音像に、交換可能なイメージに辿りつくまでに、たぶん、ものすごい時間がかかる。 それだけで１冊の本がいる。
それにしてもなあ、と。
Jazzは、59年の時点で、ここまで明確なヴィジョンやテーゼを立てられるだけの思想としての強さがあったのだなあ。
アーティストやリスナーの9割はそんなの気にしていないにせよ、これはこれですごいなあ、って。
でもねえー。
そうやって感嘆する反面、ものすごく排他的な、わかんないやつはくんな！的ななにかを感じてしまったことも確かなの。 JazzとかJazz喫茶のそういうとこって、苦手だなあ、とあらためて。
もちろん、あらゆる思想なんてそんなもんであろうし、Rockだっておんなじようにひどいとこはひどいわけであるが。
で、Q&Aのあと、併映の”Pull My Daisy”
先の映画と同じ年に、Robert Frankその他によって撮られたビート・コミュニティのドキュメンタリー、というか寸劇。
ナレーション（台詞なしでナレーションのみ）はJack Kerouac。 Allen Ginsbergその他友人一同が出演。
このふたつ、並べて見るとすばらしくおもしろい。
同じ年のシカゴとNYで、ここまでてんでばらばらな動きが観測されていたのだなあ、て。
一方は固い怒りをもって自身の足元を見つめ、一方はごきぶり～♪とか、ほぅり～♪とか歌いながらどんちゃんさわぎしている。 そしてこの、内輪のどんちゃん騒ぎもまた、はっきりとしたひとつの態度表明ではあるの。
どちらがよいとか、正しいとか、そういうことでは勿論なくて、ここでそれぞれに、全く別なかたちで記録されたバスドラのキックは、60年代以降のアメリカのうねりをあらゆる方向から準備し、あらゆるメディウムを用いて伝播していくことになるはずだ。
その最初の一音を、一声を、約50年後に聞いて、見る。
その不思議なかんじ。
とっても勉強になった。 しかしえらくつかれた。
その前にOther Musicに寄って、7inchいちまいだけ買った。
Sharon Van Ettenの新しいの。
”The Cry of Jazz” (1959)は、Anthology Film Archivesがリストアして、3日間だけ上映してて、この日曜が最終日。
34分と短いフィルムなので、間に監督とのQ&Aと、併映でもういっぽん。
パーティの場で、白人と黒人が議論してて、ぼんくらぽい白人のおんなのこの「Jazzってロックンロールのことでしょ？」とかいう発言をきっかけに、いやいやそうじゃないんだよ、Jazzっていうのはね、と始まる議論。
Jazzはどこからきて、どこに行くのか、JazzはなんでAfrican-Americanのものといえるのか、などなどを語り、だって白人だってJazzをプレイするじゃん、逆差別じゃん、とかいうつっこみを潰しながら、Jazz原理主義、みたいなマニフェストにまで行ってしまう。
実際のシカゴのAfrican-Americanの生活のドキュメンタリーを絡めつつ、この音楽とその形式が、如何に彼らの自由と抑圧を巡る歴史（奴隷として連れてこられたあたりからの）と密に結びついているのか、きたのかを明確に語ろうとする。
はっきりと語りたいことがあるが故にこの映像を作りました、という態度は明白で、短い時間でそれは簡潔に纏められていると思った。 それが59年という時点で、African-Americanの当事者の発言として出てきたところはすごいし、この監督はそれ以降映画を一本も撮っていないところも潔いし。
でも難しいよねえ、と上映後の監督（Edward Blandさん）とのQ&Aを聞いてておもった。
それは音楽と社会との関係を語ることの難しさであり、更には音楽を言葉で語ることの限界にまで行ってしまうような気がした。 作者の依っているところの前提（1959 or ?）と我々が依っているところのそれ、の差異もはっきりとでる。
例えば、黒人の大統領が登場した今、この映画で語られているようなメッセージはいまだに有効なのでしょうか？ というような質問に対して、監督は「そんなのしらない」という。
監督がこの映画で描いたのはJazzという音楽のことであり、質問者が訊いたのは社会のことだから。
そんなような両者の（思い）違いがえんえんとつづくQ&A。
音楽を作る側、受け入れる側、プロデューサー、それをプロモートして売る側、「作者」とは誰か、楽器の編成、アレンジ、サンプリング、Funkやヒップホップ、歌詞、地域やコミュニティのちがい、時代とか時間軸、アーティスト個人、マーケティング、コマーシャリズム、これら膨大な量の可変値から、ラジオをチューニングしていくみたいにひとつのクリアな音像に、交換可能なイメージに辿りつくまでに、たぶん、ものすごい時間がかかる。 それだけで１冊の本がいる。
それにしてもなあ、と。
Jazzは、59年の時点で、ここまで明確なヴィジョンやテーゼを立てられるだけの思想としての強さがあったのだなあ。
アーティストやリスナーの9割はそんなの気にしていないにせよ、これはこれですごいなあ、って。
でもねえー。
そうやって感嘆する反面、ものすごく排他的な、わかんないやつはくんな！的ななにかを感じてしまったことも確かなの。 JazzとかJazz喫茶のそういうとこって、苦手だなあ、とあらためて。
もちろん、あらゆる思想なんてそんなもんであろうし、Rockだっておんなじようにひどいとこはひどいわけであるが。
で、Q&Aのあと、併映の”Pull My Daisy”
先の映画と同じ年に、Robert Frankその他によって撮られたビート・コミュニティのドキュメンタリー、というか寸劇。
ナレーション（台詞なしでナレーションのみ）はJack Kerouac。 Allen Ginsbergその他友人一同が出演。
このふたつ、並べて見るとすばらしくおもしろい。
同じ年のシカゴとNYで、ここまでてんでばらばらな動きが観測されていたのだなあ、て。
一方は固い怒りをもって自身の足元を見つめ、一方はごきぶり～♪とか、ほぅり～♪とか歌いながらどんちゃんさわぎしている。 そしてこの、内輪のどんちゃん騒ぎもまた、はっきりとしたひとつの態度表明ではあるの。
どちらがよいとか、正しいとか、そういうことでは勿論なくて、ここでそれぞれに、全く別なかたちで記録されたバスドラのキックは、60年代以降のアメリカのうねりをあらゆる方向から準備し、あらゆるメディウムを用いて伝播していくことになるはずだ。
その最初の一音を、一声を、約50年後に聞いて、見る。
その不思議なかんじ。
とっても勉強になった。 しかしえらくつかれた。
[theater] The Marriage of Maria Braun
日曜の3:00から、BAMのHarvey Theaterで、ベルリンのSchaubuhne am Lehniner Platz（シャウビューネ劇場）による"The Marriage of Maria Braun"を見ました。
Next Wave Festivalの出し物のひとつで、原作はRainer Werner Fassbinderの映画、『マリア・ブラウンの結婚』。
同劇場監督のThomas OstermeierはこれまでもNext Waveでイプセンの『人形の家』と”Hedda Gabler”を上演していて、こんどが"...Maria Braun"、とくるとなんとなくわかるかも。 女性をめぐる寛容、不寛容、自立、あれこれ、あれこれ。
で、この企画に関連して、BAMのシネマテークで、土曜日いちにちだけFassbinderの映画版も上映された。
随分昔に見ただけだったし、彼の映画は何回見てもおもしろいので、見にいったの。
戦時下のドイツ、出兵の前日に式あげて、夫はそのまま戦争行っちゃって行方知らずで、生計たてるためアメリカ兵相手の娼婦になって、そしたら夫が戻ってきたので相手の男をつい殴り殺したら、夫がかわりに刑務所入ってくれて、それを待っている間に会社のえらいひとの愛人になってお金いっぱい稼いで、そのじじいが死んじゃったころに夫が戻ってきて、それで・・・
おっそろしくミクロな、しょうもない個人と個人のじりじりどろどろしたやりとりを重ねつつ、そのむこう側に社会や世相のありようをあぶりだす、その地を這うようなアプローチがファスビンダーのファスビンダーたる由縁であり、この"Maria Braun"がしばしば彼の代表作とされるのも、ドイツの戦中から戦後の激動の時代を走りぬけたひとりの女のドラマとして、それなりの汎化普遍化に成功しているからだとおもうが、へたするとNHKのくそみたいな戦時がんばりましたドラマになりがちなところを、彼の徹底した底意地のわるい（女性嫌い）目線がところどころに刺さってくるので、ああすばらしいと思って見てた。
いま、なんでファスビンダーみたいな映画が出てこないのかしら。
というのはほんと、ことあるごとに思うの。
映画を見て「元気をもらいました」とか言っているおめでたい善人共にたたきつけてやりたい。
で、そんな彼の映画を舞台化したらいったいどうなるのか。
閉じた場所、閉じた系内での人間同士の相克を描く、という点で演劇的、と言われることも多いけど、そうありながらも、彼の目線、彼のカメラはものすごく執拗に、恣意的に動くし、あと登場人物がはんぱでなく変な、一度見たら脳に貼りついてしまうような特殊なひとが多いので、この辺がどうなるのかなあ、とか。
そうそう、なんといっても映画版にはHanna Schygullaというミューズがいたし、ね。
ここからが舞台版のおはなし。
セットは50年代ふう、モダンなホテルのラウンジのような場所で、ほぼずっと固定。
ソファにチェアにコーヒーテーブル。
いろんな人たち、いろんな目線、いろんな会話が行き交うこの場所で、スライド投影やハンドカメラによるリアルタイム映像を使いつつ、Maria Braunの周りをいろんな人たちが通り過ぎていく。
音と音楽はすべて遠くから、遠くて鳴っているラジオの音みたいに聞こえてくる。
Maria Braun以外の役柄はすべて、男優４名がかわりばんこに、女装だのなんだのも含めて全て兼務する。
ひとりあたり４~５役はやっていたのではないか。
なるほどね。 ひとりの俳優に複数人格を集約してしまうことで癖のある人たちはそのまま、「変なひと」という衣を纏うことができるわけか。
俳優さん達は大変そうだったが、実際にはみんなすごく巧くて、この試みはうまくいっていたとおもう。
あとは時間や場所、出来事の移り変わりについても、このセットはきちんと機能していた。
なぜなら、この物語は、彼女と、彼女が交わした「結婚」という契約、その縛り、その一本の鉄線を巡って、その線のつくりだす磁場を中心に進行していくからであり、ホテルという場所もまた、そんなような保証－自由をひとつ屋根の下に統合したような場所、であるからー。
そして最後の場面になると、ホテルから彼女のおうちにセットがぐるーんと変わり、それは夫が帰ってきて、彼と彼女の関係がようやく「夫婦」として「正常化」する、それを指し示しているのでまあそうだろうな、と。
筋と、いくつかの台詞はほぼそのままFassbinderの映画のまま。
髪をセットした彼女が「これってプードルみたいだわ」っていうとこが好きなのだが、それもそのまま。
Karl Oswaldの死の場面が舞台でははっきりと描かれる、くらいか。
映画では彼女の目の届かないところで起こっていたいくつかのイベントが、舞台ではすべてのひとに、すべてが目に見えるかたちで曝される。 そういうちがい。
映画にはなくて舞台で実現できたもの、というとなんだろな、ドイツ近代史、みたいなところからは距離を置いて、割と現代の女性のありよう、ジェンダー論にも通じるようなところにテーマをシフトしてきているところ、かな。（ここは賛否ありそうだが）
ラストの背後に流れるワールドカップの実況中継も、それが今年のやつだったとしても違和感ないような。
（ドイツは負けちゃったけど）
Maria Braunを演じたBrigitte Hobmeierさんはすばらしかったです。
映画版のHanna Schygullaがもっていた魔性の女みたいなとこは（あえて）抑えめに、蒼白く、クールに周囲を蹴散らしていく軽いかんじがまたかっこよくて。
1時間45分、休憩なし。
BAMのHarvey Theater（すごく古くてぼろいの）も久々でうれしかった。
Next Wave Festivalの出し物のひとつで、原作はRainer Werner Fassbinderの映画、『マリア・ブラウンの結婚』。
同劇場監督のThomas OstermeierはこれまでもNext Waveでイプセンの『人形の家』と”Hedda Gabler”を上演していて、こんどが"...Maria Braun"、とくるとなんとなくわかるかも。 女性をめぐる寛容、不寛容、自立、あれこれ、あれこれ。
で、この企画に関連して、BAMのシネマテークで、土曜日いちにちだけFassbinderの映画版も上映された。
随分昔に見ただけだったし、彼の映画は何回見てもおもしろいので、見にいったの。
戦時下のドイツ、出兵の前日に式あげて、夫はそのまま戦争行っちゃって行方知らずで、生計たてるためアメリカ兵相手の娼婦になって、そしたら夫が戻ってきたので相手の男をつい殴り殺したら、夫がかわりに刑務所入ってくれて、それを待っている間に会社のえらいひとの愛人になってお金いっぱい稼いで、そのじじいが死んじゃったころに夫が戻ってきて、それで・・・
おっそろしくミクロな、しょうもない個人と個人のじりじりどろどろしたやりとりを重ねつつ、そのむこう側に社会や世相のありようをあぶりだす、その地を這うようなアプローチがファスビンダーのファスビンダーたる由縁であり、この"Maria Braun"がしばしば彼の代表作とされるのも、ドイツの戦中から戦後の激動の時代を走りぬけたひとりの女のドラマとして、それなりの汎化普遍化に成功しているからだとおもうが、へたするとNHKのくそみたいな戦時がんばりましたドラマになりがちなところを、彼の徹底した底意地のわるい（女性嫌い）目線がところどころに刺さってくるので、ああすばらしいと思って見てた。
いま、なんでファスビンダーみたいな映画が出てこないのかしら。
というのはほんと、ことあるごとに思うの。
映画を見て「元気をもらいました」とか言っているおめでたい善人共にたたきつけてやりたい。
で、そんな彼の映画を舞台化したらいったいどうなるのか。
閉じた場所、閉じた系内での人間同士の相克を描く、という点で演劇的、と言われることも多いけど、そうありながらも、彼の目線、彼のカメラはものすごく執拗に、恣意的に動くし、あと登場人物がはんぱでなく変な、一度見たら脳に貼りついてしまうような特殊なひとが多いので、この辺がどうなるのかなあ、とか。
そうそう、なんといっても映画版にはHanna Schygullaというミューズがいたし、ね。
ここからが舞台版のおはなし。
セットは50年代ふう、モダンなホテルのラウンジのような場所で、ほぼずっと固定。
ソファにチェアにコーヒーテーブル。
いろんな人たち、いろんな目線、いろんな会話が行き交うこの場所で、スライド投影やハンドカメラによるリアルタイム映像を使いつつ、Maria Braunの周りをいろんな人たちが通り過ぎていく。
音と音楽はすべて遠くから、遠くて鳴っているラジオの音みたいに聞こえてくる。
Maria Braun以外の役柄はすべて、男優４名がかわりばんこに、女装だのなんだのも含めて全て兼務する。
ひとりあたり４~５役はやっていたのではないか。
なるほどね。 ひとりの俳優に複数人格を集約してしまうことで癖のある人たちはそのまま、「変なひと」という衣を纏うことができるわけか。
俳優さん達は大変そうだったが、実際にはみんなすごく巧くて、この試みはうまくいっていたとおもう。
あとは時間や場所、出来事の移り変わりについても、このセットはきちんと機能していた。
なぜなら、この物語は、彼女と、彼女が交わした「結婚」という契約、その縛り、その一本の鉄線を巡って、その線のつくりだす磁場を中心に進行していくからであり、ホテルという場所もまた、そんなような保証－自由をひとつ屋根の下に統合したような場所、であるからー。
そして最後の場面になると、ホテルから彼女のおうちにセットがぐるーんと変わり、それは夫が帰ってきて、彼と彼女の関係がようやく「夫婦」として「正常化」する、それを指し示しているのでまあそうだろうな、と。
筋と、いくつかの台詞はほぼそのままFassbinderの映画のまま。
髪をセットした彼女が「これってプードルみたいだわ」っていうとこが好きなのだが、それもそのまま。
Karl Oswaldの死の場面が舞台でははっきりと描かれる、くらいか。
映画では彼女の目の届かないところで起こっていたいくつかのイベントが、舞台ではすべてのひとに、すべてが目に見えるかたちで曝される。 そういうちがい。
映画にはなくて舞台で実現できたもの、というとなんだろな、ドイツ近代史、みたいなところからは距離を置いて、割と現代の女性のありよう、ジェンダー論にも通じるようなところにテーマをシフトしてきているところ、かな。（ここは賛否ありそうだが）
ラストの背後に流れるワールドカップの実況中継も、それが今年のやつだったとしても違和感ないような。
（ドイツは負けちゃったけど）
Maria Braunを演じたBrigitte Hobmeierさんはすばらしかったです。
映画版のHanna Schygullaがもっていた魔性の女みたいなとこは（あえて）抑えめに、蒼白く、クールに周囲を蹴散らしていく軽いかんじがまたかっこよくて。
1時間45分、休憩なし。
BAMのHarvey Theater（すごく古くてぼろいの）も久々でうれしかった。
11.22.2010
[film] The Apple (1980)
土曜の晩11時から、今回のCannonまつりの目玉。 "The Apple"。
こんな映画があったなんてしらなかった。
しょうげきだった。 「しょうげき」以外に言葉をしらぬ。
"Runaway Train"が終って出てみると、いつもはしょぼくれた客達が人生に疲れて並んでいる待合室がディスコになっていた。みんな楽しそうに食べたり飲んだりしている。
例えばですね、京橋のNFCの待合室がそうなったとこを想像してみ。
Bronski Beatなんて20年ぶりくらいに聞いたわ。
みんなほっぺやおでこにBIMのシールを貼ってて、つまりはそれが、この映画の信者である証なのだった。
11時に開場してからもお祭りで、監督とプロデューサー（さっきのふたりね）の挨拶と、主演女優であるCatherine Mary Stewartさんが登場する。（下の写真）
Catherineさん、59年（西暦だよ）生まれとは思えないくらい若い。
そうか、あなた"The Last Starfighter" (1984)に出てたひとなのね。
（アーケードゲームで最高点だしたらそいつが宇宙に繋がってて、そのまま宇宙に拉致されて戦争にまきこまれるの。宇宙人の師はしんじゃうんだけど、死ははじまりである、とかわけわかんないこというの… しってるひとー？）
あとはお楽しみくじびきもあって、番号ひとつ違いで逃した。
でも賞品はBIMのTシャツと映画のDVDと映画のサントラをCDに落としたやつ（手焼きです…）とか、それならあんまうれしくないかも。
この映画の思い出について監督自身が語ったところによると、モントリオールの映画祭で上映したら客のほとんどがばらばら帰っちゃって、監督はショックを受けて途中でホテルの部屋に戻って、部屋から飛び下りようと考えたのだという。
そんなの上映する前にわかれよ、誰かとめろよ、って話なのだが、まあ、モントリオールの客の気持ちもよくわかるわ。
80年にオーウェルの1984寄りのネタは、完全にうるせえ、でアウトだったし、60年代ヒッピー難民も出てけ、だったのである。
しかし今見てみると、Austin PowersやZoolanderよか20年早かった、というのがわかるし、"Glee"みたいなのがはやるパワーバラード全盛の時代（やれやれいいかげんにしとくれよ）にぴったりだ、というのがわかる。 あんまわかりたくもないけど、とりあえずはわかる。 長生きはしてみるもんじゃのー。
こうしてヴィレッジで上映会がはじまってだんだんに信者の数が増えていって、いまでは立派なカルト作品に認定されましたとさ。
世にあるカルトなんて大抵そんなもんさ、なんて言わないで。
すでに日曜の夜遅いのだが、がんばって筋を書いてみよう。
舞台は1994年（ものすごく微妙かつ絶妙）。BIMっていう組織だか団体だかなんだかが社会の表も裏も支配してて、音楽とかもBIM認定のBIM Musicっていうのがメジャーなの。
大衆もみんなBIMを求めてて、なんでも「BIM! BIM!」なの。
そんななか、ソングコンテストにでてきたアルフィー＆ビビのコンビの歌がみんなを泣かせて、それが気に障ったBIMの親玉が彼らを利用しようとビビを拉致してBIMのシンガーにするの。
でもアルフィーは負けずにビビの愛を勝ちとろうとひとりでがんばるの。
ばからしくなってきたからもういいや…
でもね。音楽（曲も歌いっぷりも）とかダンス（振りもコンビネーションも）のクオリティはなかなかなのよ。 カメラも的確に動いていくし。
ファッションとか未来社会のセットはとんねるずに出てくるやつみたいにひどいけど、「ロックオペラ」（＝監督談）としてはちゃんとしている。
これで一曲でも、アバ並みのキャッチーな曲があったらなあ。
まあね、グランジがなかったら94年の社会と音楽はほんとにあんなだったかもしれないからね。きっと。
アルフィーの顔がねえ、リチャード・マークスとウィル・ファレルを足して２で割ったみたいな、しかも胸毛やろうでさあ。 ついぷぷ、ってふいちゃうのよね。
客席はぶいぶいに盛り上がっていた。ゲイの皆さんが多いような気がしたが、みんな爽やかに楽しんでいた。 後楽園の「ロッキーホラーショー」よか軽くてたのしかったよ。
日本でこいつを上映できるのはシネマヴェーラしかない！
"The Gang's All Here" (1943) - バナナ！とこれの2本立てで一週間やってほしい。
上映後、主演女優のひとがまだ残っていた。ほんとに歌ってるの？ って聞かれて、やーねえ、歌ってなんかないわよ、てさばさば答えてた。 いいひとだ。
出口でBIMシール配ってたのを貰う。 どこに貼ろうか考えちゅう。
こんど暇になったら、80年にPILの2ndやJDの"Unknown Pleasure"ではなく、先にこの映画に出会っていたらその後のじんせいどうなっていたか想像してみよう、とちょっとだけ思ったけど、やっぱしやめた。
こんな映画があったなんてしらなかった。
しょうげきだった。 「しょうげき」以外に言葉をしらぬ。
"Runaway Train"が終って出てみると、いつもはしょぼくれた客達が人生に疲れて並んでいる待合室がディスコになっていた。みんな楽しそうに食べたり飲んだりしている。
例えばですね、京橋のNFCの待合室がそうなったとこを想像してみ。
Bronski Beatなんて20年ぶりくらいに聞いたわ。
みんなほっぺやおでこにBIMのシールを貼ってて、つまりはそれが、この映画の信者である証なのだった。
11時に開場してからもお祭りで、監督とプロデューサー（さっきのふたりね）の挨拶と、主演女優であるCatherine Mary Stewartさんが登場する。（下の写真）
Catherineさん、59年（西暦だよ）生まれとは思えないくらい若い。
そうか、あなた"The Last Starfighter" (1984)に出てたひとなのね。
（アーケードゲームで最高点だしたらそいつが宇宙に繋がってて、そのまま宇宙に拉致されて戦争にまきこまれるの。宇宙人の師はしんじゃうんだけど、死ははじまりである、とかわけわかんないこというの… しってるひとー？）
あとはお楽しみくじびきもあって、番号ひとつ違いで逃した。
でも賞品はBIMのTシャツと映画のDVDと映画のサントラをCDに落としたやつ（手焼きです…）とか、それならあんまうれしくないかも。
この映画の思い出について監督自身が語ったところによると、モントリオールの映画祭で上映したら客のほとんどがばらばら帰っちゃって、監督はショックを受けて途中でホテルの部屋に戻って、部屋から飛び下りようと考えたのだという。
そんなの上映する前にわかれよ、誰かとめろよ、って話なのだが、まあ、モントリオールの客の気持ちもよくわかるわ。
80年にオーウェルの1984寄りのネタは、完全にうるせえ、でアウトだったし、60年代ヒッピー難民も出てけ、だったのである。
しかし今見てみると、Austin PowersやZoolanderよか20年早かった、というのがわかるし、"Glee"みたいなのがはやるパワーバラード全盛の時代（やれやれいいかげんにしとくれよ）にぴったりだ、というのがわかる。 あんまわかりたくもないけど、とりあえずはわかる。 長生きはしてみるもんじゃのー。
こうしてヴィレッジで上映会がはじまってだんだんに信者の数が増えていって、いまでは立派なカルト作品に認定されましたとさ。
世にあるカルトなんて大抵そんなもんさ、なんて言わないで。
すでに日曜の夜遅いのだが、がんばって筋を書いてみよう。
舞台は1994年（ものすごく微妙かつ絶妙）。BIMっていう組織だか団体だかなんだかが社会の表も裏も支配してて、音楽とかもBIM認定のBIM Musicっていうのがメジャーなの。
大衆もみんなBIMを求めてて、なんでも「BIM! BIM!」なの。
そんななか、ソングコンテストにでてきたアルフィー＆ビビのコンビの歌がみんなを泣かせて、それが気に障ったBIMの親玉が彼らを利用しようとビビを拉致してBIMのシンガーにするの。
でもアルフィーは負けずにビビの愛を勝ちとろうとひとりでがんばるの。
ばからしくなってきたからもういいや…
でもね。音楽（曲も歌いっぷりも）とかダンス（振りもコンビネーションも）のクオリティはなかなかなのよ。 カメラも的確に動いていくし。
ファッションとか未来社会のセットはとんねるずに出てくるやつみたいにひどいけど、「ロックオペラ」（＝監督談）としてはちゃんとしている。
これで一曲でも、アバ並みのキャッチーな曲があったらなあ。
まあね、グランジがなかったら94年の社会と音楽はほんとにあんなだったかもしれないからね。きっと。
アルフィーの顔がねえ、リチャード・マークスとウィル・ファレルを足して２で割ったみたいな、しかも胸毛やろうでさあ。 ついぷぷ、ってふいちゃうのよね。
客席はぶいぶいに盛り上がっていた。ゲイの皆さんが多いような気がしたが、みんな爽やかに楽しんでいた。 後楽園の「ロッキーホラーショー」よか軽くてたのしかったよ。
日本でこいつを上映できるのはシネマヴェーラしかない！
"The Gang's All Here" (1943) - バナナ！とこれの2本立てで一週間やってほしい。
上映後、主演女優のひとがまだ残っていた。ほんとに歌ってるの？ って聞かれて、やーねえ、歌ってなんかないわよ、てさばさば答えてた。 いいひとだ。
出口でBIMシール配ってたのを貰う。 どこに貼ろうか考えちゅう。
こんど暇になったら、80年にPILの2ndやJDの"Unknown Pleasure"ではなく、先にこの映画に出会っていたらその後のじんせいどうなっていたか想像してみよう、とちょっとだけ思ったけど、やっぱしやめた。
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